F. Chopin: Polonesa en Sol m

• F. Chopin (Zelazowa- Wola (cerca de Varsovia) 1810- París 1849)

• Polonesa: en su origen era una danza procesional de corte para parejas. Es una danza original de Polonia. El paso es lento, posee varios dibujos, incluido el cambio de pareja.

• La polonesa de desarrolla muy pronto fuera de Polonia y en los siglos XVII y XVIII encuentra un sitio en la “Suite Instrumental” y después de los laudistas es utilizada por Bach, Händel, Couperin, Mozart, Beethoven, Schubert, Weber, Schumann.

• Escrita en ¾, su ritmo característico es de corchea-dos semicorcheas y cuatro corcheas.

• Primera forma de la creación de Chopin, las Polonesas cubren más o menos toda su carrera, entre 1817, época de la publicación en Varsovia de una Polonesa en Sol m y 1846, año de la composición de la Polonesa–Fantasía Op. 61 en La b M.

• Las Polonesas de Chopin, unas veces trágicas, otras sombrías y luminosas, transmiten la desesperada resistencia del pueblo polaco, agredido y amenazado.

• Chopin escribió dieciséis Polonesas:
  • Op. 26 nº 1 en Do # m y nº 2 en Mi b m (1,2) (1834 y 1835)
  • Op. 40 nº 1 en La M y nº 2 en Do m (3,4) (1838 y 1839)
  • Op. 44 en Fa # m (5) (1841)
  • Op. 53 en La b M (6) (1842)
  • Op. 61 en La b M (7) (1846)
  • Op. 71 nº 1 en Re m, nº 2 en Si b M y nº 3 en Fa m (8,9,10) (1825 y 1828)
  • Obra póstuma en Sol m (11) (1817)
  • Obra póstuma en Si b M (12) (1817)
  • Obra póstuma en la b M (13) (1821)
  • Obra póstuma en Sol # m (14) (1822)
  • Obra póstuma en Si b m (15) (1826)
  • Obra póstuma en Sol b M (16) (1829)

• Polonesa en Sol m:
  • Dedicada a la condesa Victoria Skarbek, hermana de Frederic Skarbek, alumno de Chopin. Fue compuesta y publicada en Varsovia en 1817.
  • Es una pieza alegre, muy corta (treinta y ocho compases) y de forma ternaria (A (a a’) B (b c b) A (a a’). Tempo: Allegro maestoso (majestuoso).
  • Patrones rítmicos de acompañamiento: Acordes rotos o partidos (diferentes combinaciones), Bajo de Alberti.
  • Tonalidad de Sol m (región del primer grado) y Si b (región del tercer grado).
  • Tesitura: entre el sol 2 y el fa 7 (cinco octavas).
  • Semicadencias, Cadencias Perfectas, Puntos álgidos o puntos culminantes.
  • Armonía: acordes de I V7 V6/5 V6/4 II6 II6/5
  • Melodías en acordes, en arpegios, en escalas, apoyaturas, notas de paso, floreos, cruce de manos.
  • Notas de adorno: mordente de una nota en A y grupetos en B.
  • Dinámicas: f mf p cresc. reguladores, acentos.
  • Agógica: Rit. Rubato.
  • Toque legato, Arcos de dos notas.
  • Textura homofónica (melodía – acompañamiento).
  • Pedal a tiempo, a contratiempo.

J. S. Bach: Concierto para clave y orquesta BWV 1052 en Re m

• J. S. Bach (Eisenach (Turingia) 1685 – Leipzig 1750).

• Hijo y nieto de músicos, adquirió una brillante cultura general y clásica (griego y latín), al mismo que aprendía a tocar el violín con su padre, el clavecín y el órgano con su primo Johann Christoph y la composición con Herder. Su formación musical se completó con la abundante lectura de compositores alemanes (entre ellos Buxtehude 1637-1707), italianos (Frescobaldi 1583-1643 y Vivaldi 1678-1741) y franceses (entre ellos Couperin 1668-1733 y Marchand 1669-1732).

• Organista en Arnstadt desde 1703 a 1707 , escribió allí sus primeras obras religiosas y se forjó una reputación de experto en órganos y reparador de este instrumento. En 1707 se casó con María Bárbara Bach, prima segunda suya. Después realizó una corta estancia en Mülhausen como organista en la iglesia de San Blasius, donde compuso algunas cantatas sacras, entre ellas la BWV 106.

• En 1708 estuvo empleado como músico de cámara y organista en la corte de Weimar (luterana) y después de 1714 como Konzertmeister, allí escribe numerosas cantatas, obras para órgano, como la Toccata y Fuga en Re m, la Passacaglia y Fuga en Do m y diversos corales.

• El período que va de 1717 a 1723, estuvo de Kapellmeister de la corte de Köthen (calvinista, por lo que Bach no debe tocar el órgano ni componer música para la iglesia). Para la orquesta de que dispone en ese momento compone una gran parte de sus obras instrumentales, algunas Oberturas o Suites, los Conciertos de Brandeburgo, el Libro I de “El Clave bien temperado”.

• En Mayo de 1723 a raíz de las distensiones existentes en la corte le llevan a abandonar Köthen y a aceptar el puesto de Cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde permanecerá hasta su muerte. Allí tendrá mil disputas con las autoridades, al tener que componer música para cada domingo y para cada fiesta, así como para las ceremonias oficiales, no poder ausentarse sin autorización del Consejo de la ciudad, condiciones de trabajo, emolumentos, enseñanza que está obligado a impartir.

• En Leipzig escribirá la mayor parte de sus cantatas religiosas, así como las obras maestras de su música vocal, el Oratorio de Navidad, el Magníficat, La Pasión según San Juan, La Pasión según San Mateo, etc...

• Para la corte de Dresde (donde efectuará algunos viajes) escribió la Misa en Si m BWV 232. También viajará a Berlín y a Postdam, donde será recibido por el rey Federico de Prusia en 1747 y a quien dedicará la Ofrenda Musical BWV 1079 (es una colección de cánones, fugas y otras piezas compuestas a partir de un tema original del rey Federico II de Prusia - Federico el Grande).

• A fines de 1749, una desgraciada operación de cataratas le dejará casi completamente ciego; diez días antes de su muerte recobrará de repente la vista, pero un repentino ataque seguido de unas fiebres acabará con su vida.

• La obra de Juan Sebastian Bach, es el término de las tradiciones musicales más experimentadas de su época: la composición polifónica y el contrapunto, a ello se une el uso del coral luterano y los melodismos a la italiana. Es un milagro haber logrado asimilar tan diferentes elementos, haber realizado una síntesis de estilos, haber propuesto una espléndida re-creación de todo ello a través de arquitecturas sonoras complejas y constantemente renovadas y de la que se desprende la más expresiva belleza.

• Sin llegar a ser propiamente el inventor del género, Bach sigue siendo uno de los primeros en haber consagrado conciertos al clavecín. Fueron varias las razones que le impulsaron en Leipzig (hacia 1730) a emprender la composición de una serie de conciertos para uno, dos, tres y cuatro clavecines, que no son otra cosa que transcripciones. Su profundo conocimiento de la música italiana, la existencia de los conciertos que había escrito el mismo, esencialmente para violín y su genio como ejecutante de teclado (órgano y clavecín), así como el hecho de ver que se le confiaba la dirección de los conciertos públicos del Collegium Musicum, que había fundado Telemann (1681-1767), le llevaron a ello. Necesitaba un repertorio, de ahí los conciertos para clavecín.

• Las transcripciones, suelen estar un tono más bajas que el original, seguramente porque el clavecín de aquellos años sólo llegaba al re agudo y no poseía el mi agudo característico de la escritura para violín.

• Las transcripciones son de conciertos para violín u oboe, (clave), del Concierto nº 4 de Brandeburgo violín y oboe (dos clavecines), dos violines (dos clavecines), violín, oboe y flauta (tres clavecines), tres violines (tres clavecines), cuatro violines (cuatro clavecines).
  
  

• Conciertos instrumentales del barroco:

• Concierto policoral: la oposición de varios grupos, acaso de igual dotación numérica, según la antigua tradición veneciana, un ejemplo es el Tercer Concierto de Brandeburgo de Bach (tres violines, tres violas y tres violoncellos y continuo).
• Concerto grosso: un grupo de solista llamado concertino se opone al grupo orquestal o ripieno; el concerto grosso se desarrolló aproximadamente a partir de 1670 en Italia (A. Stradella (1645-1682), en 1676, A. Corelli (1653-1713) , en 1680, A. Vivaldi (1678-1741) a partir de 1700.
• Concierto solista: se desarrolló simultáneamente con el concerto grosso. Los instrumentos solistas son especialmente, la trompeta, el oboe, el violín (G. Torelli (1658-1709) en 1698, y el clave (J. S. Bach (1685-1750). Los movimientos extremos presentan forma de ritornello: el tutti siempre toca el tema o parte del mismo y en medio se hallan episodios solistas modulantes, con motivos temáticos y diseños instrumentales libres.

• Juan Sebastian Bach escribió:

• Ocho Conciertos para clavecín y orquesta (BWV 1052 a 1059)

• Tres Conciertos para dos clavecines y orquesta (BWV 1060 a 1062)

• Dos Conciertos para tres clavecines y orquesta (BWV 1063 y 1064)

• Un Concierto para cuatro clavecines y orquesta (BWW 1065)

• Concierto para clave y orquesta de cuerda BWV 1052 en Re m ( el original era un concierto para violín, los dos primeros movimientos fueron utilizados en la Cantata BWV 146 hacia 1726-28 y el tercero en la Cantata BWV 188 hacia 1728).
  
  
• Se ha perdido el concierto de violín del que se cree que surgió éste para clave. La figuración del segundo solo del solista a veces se cita como evidencia de su origen violinístico:
  
  
  • I. Allegro en Re m, compás de C. 
    
    
  
  
  
  pero la Toccata en Re m de Bach para órgano demuestra que tal figuración se adapta al carácter de un instrumento de tecla que tenga dos teclados. En cualquier caso la obra en la actualidad, pertenece de manera clara al piano moderno, aunque éste no tenga los dos teclados del clavicémbalo.
  
  
  
  
  
  
  cuya célula inicial, a, se usa con gran frecuencia para imprimirle movimiento. Los amplios saltos en el medio y las corcheas enfáticas del final contribuyen muchísimo al carácter robusto del tema. El material del concertante del solista se deriva en todo momento de éste, evitando la monotonía gracias a su recorrido a través de las tonalidades vecinas.
  El solo tras hacer de continuo, se presenta con un cambio de figuración en Re m (c.7), después en la dominante menor (La m) (c. 22), añadiéndole la figuración de toccata a la manera del ejemplo 1 (compás 62 y siguientes). Ritornello en Do M (c. 91 y siguientes) a cargo del solo, la siguiente aparición del ritornello está confiada a las cuerdas, tocando el solista un mero contrapunto (c. 104). Cadenza en el c. 109, encontrándonos lo que en el concierto clásico se llama desarrollo y llegando hasta la tonalidad de Si b. El solista a través de un pedal de tónica vuelve a la tonalidad de Re m (c. 148), por último regresa el ritornello (c. 172) para finalizar el movimiento.
  
  
  • II. Adagio en Sol m, compás de 3/4 (que abre y cierra la orquesta)
  El movimiento lento está en modo menor (Sol m), característica excepcional dentro de los conciertos y sonatas de Bach en tonos menores, en los cuales tiene la costumbre de usar la tonalidad en mayor para los movimientos lentos. Este movimiento aumenta su solemnidad y amplitud al basarse en un bajo ostinato de doce compases que es además el ritornello:
  
  
  
  
  
  modula después de sus dos primeras apariciones, y hay una sugerencia de estructura binaria, ya que en medio hay una cadencia en la tonalidad relativa mayor (Si b) (c. 42).
  A ambos lados, las repeticiones del bajo ostinato modulatorio están en Sol m y Do m en la primera parte y en Do m y Sol m en la segunda parte.
  
  
  • III. Allegro en Re m, compás de ¾
  La construcción del finale es muy similar a la del primer movimiento, se basa en un ritornello de doce compases que se inicia así:
  
  
  
  
  
  
  El solista, de nuevo tiene una figuración de toccata para su primer solo importante (c. 73):
  
  

  

  
  
  

  • Intérpretes de la grabación (1976): 
     

  • Orquesta de Cámara de la Fundación Gulbenkian de Lisboa

  • Director: Michel Corboz

  • María Joao - Pires, piano (Lisboa 1944).
    
    
  Mª Joao Pires

  Soy profundamente ecológica, pero por respeto. Pero no fanática. Tenemos un planeta a nuestra disposición y tenemos que respetarlo. De la misma forma que soy ecológica en mi relación con las personas y conmigo misma. Creo, sobre todo, en la filosofía. del respeto, pero sin fanatismos. Creo en la evolución del mundo con sus nuevas tecnologías, aprovechándolas al máximo, pero manteniendo el respeto por la naturaleza.

  Nacida en Lisboa en 1944, empezó a tocar el piano a la edad de tres años y dio su primer concierto en público a los cinco años y no había cumplido 10 años cuando ya ganó el primer concurso (de Juventudes Musicales Portuguesas). Entre 1953 y 1960 trabaja intensamente con Campos Coelho y Francine Benoit. A los 16 se graduó en el Conservatorio de Lisboa, habiendo estudiado Piano, Composición, Armonía y Teoría. A partir de 1960 una beca concedida por la Fundación Gulbenkian le permitió estudiar con Rosl Schmidt en la Musikhochschule de Munich y con Karl Engel en Hannover, estudios en Alemania («de los que guardo un recuerdo horrible; sus fantasmas me persiguen todavía hoy»afirma la pianista). En 1970 ganó el Concurso conmemorativo del Bicentenario Beethoven celebrado en Bruselas y, ya desde entonces, conciertos, grabaciones, recitales, la fama.

  Entre los pianistas que marcaron positivamente su vida artística destaca: <El que más me influyó en la juventud fue Dinu Lipatti (pianista y compositor rumano, fallecido en Suiza 1917-1950)>. Le oí en discos. Sólo con los discos me marcó profundamente. Fue en cierta manera mi profesor espiritual. De la actualidad, el pianista que más admiro, con el que tengo una comunicación mayor, es Radu Lupu (pianista rumano 1945).
  
  

F. Chopin: Sonata nº 2 Op. 35 en Si b m

• F. Chopin (nació en Zelazowa- Wola (cerca de Varsovia) el 1 de Marzo de 1810 – murió el 17 de Octubre de 1849 en París).

• Hijo de un francés y una polaca. A diferencia de otros músicos, Chopin había recibido una educación musical sistemática y cuidada. En la escuela secundaria de Varsovia donde su padre era profesor recibió una instrucción rigurosa en Latín, Griego, Matemáticas y otras materias. A los catorce años entra en el Conservatorio de Varsovia para estudiar composición y teoría musical con el compositor alemán Joseph Elsner (1766-1854) y publica su primera obra: el Rondó Op. 1.

• Entre 1828 y 1829, sus viajes le llevan a Berlín, Viena, Praga, cuando en la capital polaca era considerado el mejor pianista de la ciudad. Abandona Polonia en 1830 y después de un año llega París, donde fija definitivamente su residencia hacia finales de 1831.

• Sus amigos eran Liszt (1811-1886), Delacroix (pintor francés 1798-1863), Meyerbeer (compositor alemán, Berlín 1791- París 1864), Heine (poeta y ensayista alemán, Düsseldorf 1797- París 1856), Balzac (novelista francés 1799 – 1850).

• Chopin nunca fue un gran viajero, sólo realizó pequeños desplazamientos a Alemania, donde se encontró con Schumann y Mendelssohn y una corta estancia en Londres un año antes de su muerte.

• Dedicó su vida a la composición y a la enseñanza, renunciando a la carrera de virtuoso, poco acorde con su temperamento. Los matices delicados de sus interpretaciones eran mucho más apropiados para la intimidad de pequeños salones que para las grandes salas de conciertos, y durante su carrera en París tan sólo tocó en público unas cuantas veces. Se convertiría en uno de los compositores favoritos de la aristocracia adinerada.

• Entre 1837 y 1846, pasa los veranos en Nohart, en la casa de George Sand (1804-1876, escritora francesa), donde Chopin escribe lo esencial de su obra.

• Chopin escribió fundamentalmente obras para piano, algunas obras de cámara (Trío para piano Op. 8 (1828-29), Sonata para violoncello y piano Op. 65 (1845-46), una colección de diecisiete melodías Op. 74 para voz y piano, así como diversas obras para piano y orquesta, entre los que se encuentran sus dos conciertos Op. 11 y Op. 21.

• Parece claro que al igual que muchos compositores de su generación, se movía con mayor facilidad en las obras en un solo movimiento.

• Formado en el estudio de Mozart y de Bach, cuya influencia es evidente y cuyas obras trabajaba cada día, Chopin tiene un espíritu clásico dentro de un alma romántica. Su ornamentación, que el quería que pareciera improvisada, forma parte de la línea melódica. Los mejores modelos eran para él los cantantes del Teatro Italiano. “Debéis cantar si queréis llegar a tocar el piano”, aconsejaba a sus alumnos.

• Una de las teorías de Chopin en el terreno de la interpretación reposaba sobre la analogía de la música y el lenguaje y su gran logro fue transportar al piano la tradición vocal italiana.

• Chopin tocaba con una igualdad perfecta y esta igualdad era el resultado de una excelente digitación “Tan distintos sonidos como dedos: todo está en saber emplear bien los dedos, en saber digitar bien”, escribió.

• Otra característica de su forma de tocar era ese famoso rubato, con la aparición de la música romántica, el rubato se convirtió en un elemento indispensable de interpretación. Fue Liszt el que encontró la imagen más bella para definir el rubato de Chopin: “Mirad esos árboles; el viento juega entre sus hojas, las hace ondear, pero el árbol no se mueve nunca, ese es el rubato de Chopin”.

• Chopin perfeccionó el empleo del pedal con el que llegó a alcanzar una total maestría, utilizándolo con moderación y con un maravilloso tacto.

• Chopin escribió tres sonatas para piano cuya composición se escalona a través de dieciséis años:

• Sonata nº 1 Op. 4 en Do m (obra de juventud, compuesta en 1828 y dedicada a Joseph Elsner, que fue su primer maestro en el Conservatorio de Varsovia).

• Sonata nº 2 Op. 35 en Sib m (compuesta en 1839, publicada en Leipzig, Londres y París en 1840).

• Sonata nº 3 Op. 58 en Sim (compuesta en 1844 poco antes de la ruptura con George Sand, publicada al año siguiente en Leipzig, Londres y París, dedicada a la Condesa E. de Perthuis).

• Sonata nº 2 Op. 35 en Sib m: Esta sonata muestra unas conexiones motívicas entre los distintos movimientos, una de ellas es el motivo insistente Sib – Do – Reb que aparece en la melodía inicial del primer movimiento y en los registros del bajo y soprano de la Marcha Fúnebre.

• Además esta sonata está llena de preciosas melodías arropadas de armoniosos acompañamientos que hicieron famoso a Chopin: acordes desplegados sostenidos por un pedal situado al inicio de cada compás, para de esta forma, acrecentar la sonoridad de la melodía y de su acompañamiento arpegiado.

• Consta de cuatro movimientos:

• I. Grave. Doppio movimiento (doble velocidad), tonalidad de Si b m, compás de 2/2

• II. Scherzo, tonalidad de Mi b m, compás de 3/4

• III. Marcha fúnebre, tonalidad de Si b m, compás de 4/4 (escrita con anterioridad al resto de la sonata en 1837, orquestada por Henri Reber (1807-1880) para ser interpretada en la iglesia de la Magdalena de arís en los funerales de Chopin).

• IV. Finale. Presto, tonalidad de Si b m, compás de 2/2

• Intérprete de la grabación: Ivo Pogorelich, nació en Belgrado en 1958.

Ivo Pogorelich empezó a estudiar piano a los siete años. A los doce él y su familia se trasladan a Moscú. Cursó sus estudios musicales en la Escuela Central de Música de Moscú, apadrinado por el pianista y pedagogo N. Timakin (1969-1974), y luego los perfeccionaría en el Conservatorio Chaikovski, de la misma capital, junto a la pedagoga Aliza Kezeradze, con quien contraería matrimonio en 1980 y permanecen juntos hasta 1996, año en que su esposa muere. A partir de entonces cesan sus grabaciones y se deja ver en conciertos en raras ocasiones. Recientemente está de nuevo en activo y ha vuelto a dar conciertos.

W. A. Mozart: Sonata en Re M KV 448 para dos pianos

• Mozart (Salzburgo 1756 – Viena 1791).

• Al lado de la literatura relativamente importante para piano a cuatro manos, Mozart sólo compuso dos obras para dos pianos (independientemente del Concierto en Mi b M para dos pianos y orquesta KV 365): una Sonata en Re M KV 448 y una Fuga en Do m KV 426 (compuesta en 1783).

• La Sonata en Re M KV 448, fue acabada en 1781 y fue ejecutada el mismo año por el propio Mozart y la pianista Josefa von Aurnhammer (además de ser una buena pianista, fue una compositora que logró publicar algunas obras).

• En esta obra casi todo el material es repetido por ambos intérpretes y el resultado es una pieza perfecta de música social (para el público).

• Obra escrita en el “style galant” (estilo galante): es una expresión convencionalmente aceptada, que no está definida de forma precisa:

• En general, se utilizaba para referirse a lo que era moderno, de actualidad, a la última moda, que se oponía a lo viejo, lo rancio, lo pasado de moda y al pasado.
  
  
• El estilo galante en música trataba de ser algo similar al estilo pintoresco de las artes y la arquitectura. Su principal objetivo era atraer a un amplio público y, por esa razón, la música debía ser sencilla y natural, tanto desde la perspectiva del oyente como la del intérprete. La ausencia de exigencias técnicas debe entenderse como un objetivo estético deliberado de una música destinada a un público universal.
  
  
• El estilo galante es una forma de componer antes que la denominación de un periodo. Surgió en oposición al estilo erudito, elaborado con un rígido contrapunto y entramado polifónico (Bach, Händel), y ya apareció en el barroco tardío como estilo libre, especialmente para clave y en la música de cámara. Gracioso, fácilmente comprensible y entretenido, se dirige a los aficionados antes que a los expertos, da preponderancia al melodismo cantabile y presenta una ligera ornamentación, ágil acompañamiento sin número de voces fijo.
  
  
• La polifonía fue abandonada, hasta el extremo de que las partes acompañantes se subordinaron completamente a la línea melódica principal. Para romper los acordes, que armónicamente funcionaban como soportes fundamentales, se emplearon diversos procedimientos, la mayoría novedosos, que a la larga, resultaron duraderos: diferentes diseños de “bajo de Alberti” (en honor al compositor Domenico Alberti (1710-1740), en cuyas sonatas para clavicémbalo la melodía se apoya en este tipo de acompañamientos, rítmicamente activos aunque completamente subordinados). Pronto se convirtieron en un rasgo generalizado de la música de la época y pueden encontrase en la música de Mozart.

• Sonata en Re M KV 448 escrita en tres movimientos:

• I. Allegro con spirito en Re M y compás de 4/4
• II. Andante en Sol M y en compás de 3/4
• III. Allegro molto en Re M y en compás de 2/4

• Intérpretes de la grabación:

• Pianos: Daniel Barenboim y Lang Lang.